CENTRE POMPIDOU-METZ
Compte-rendu de visite
Marielle Barascud
PRÉAMBULE
Rapport intérieur/extérieur : une expérience inattendue…
Sans trop vous importuner avec la relation de mon épopée messine, je vous dirais seulement que je me suis rendue dans cette belle ville lors d’un séjour à Paris, sur un coup de tête, après avoir entendu le jour de l’inauguration aux informations radiophoniques que l’on pouvait voir accrochées aux cimaises du « nouveau Centre Pompidou » les « Trois Bleu » de Miró .
Connexion Internet : 1h 20 de trajet en TGV au départ de Paris-Est, je prends. Le tour est joué, j’arriverai à Metz Ville le vendredi 14 mai à 10h 08.
Une passerelle relie la gare SNCF au Centre Pompidou-Metz en 2-3 mn. Pour retarder mon plaisir, le Centre n’ouvre que dans une petite heure, je me dirige dans la direction opposée, celle du centre ville. (photo 1)
Un peu avant 11h, je rebrousse chemin, impatiente.
Mon impatience se calme vite. Je n’avais entendu que partiellement les informations : pour fêter l’ouverture du Centre, démocratiser la culture, bluffer le citoyen (qui a déjà payé et paiera encore longtemps), l’entrée est gratuite : ça se bouscule au portillon ! Je n’attendrai pas moins de 3h 15mn (photo 4), attente utile pour observer les abords immédiats
(photos 2 et 3).
Devant être à Paris à 20h, mon trajet retour est à 17h 55 : je passe autant de temps à l’extérieur qu’à l’intérieur du Centre…
Voir Miró… et courir !
En me rendant à Metz, j’avais bien sûr l’intention de voir un peu plus que les « Trois Bleu » de Miró. Malgré l’attrait du titre générique prometteur (accrocheur ?) de l’exposition, « Chefs-d’œuvre », j’avais surtout envie de découvrir l’architecture, son espace et son rapport avec celui d’exposition, comment le Centre avait été pensé, travaillé, réalisé, quelle démarche avait dicté le choix des (chefs-d’)œuvres.
Je sais d’expérience que ce n’est pas en si peu de temps que l’on peut voir et analyser 4 expositions rassemblant au total quelques 800 œuvres. Vous l’aurez compris, mes péripéties expliquent aussi l’incomplétude de ce compte-rendu. Pour cause de foule, je n’ai pas suivi le parcours conseillé. J’ai visité le rez-de-chaussée (où sont exposés les fameux Miró) au pas de course, avant de partir…
Les photographies sont aussi peu systématiques que le compte-rendu. Quelques-unes sont floues ou trop sombres, j’ai voulu les conserver par rapport à un propos.
« Che fare ? »
J’ajoute enfin, pour me dédouaner davantage, que je n’avais volontairement lu, écouté ou regardé aucun article ou reportage traitant exclusivement du Centre dans la perspective d’une visite prochaine que je souhaitais préserver autant que possible de toute idée préconçue.
Pour finir, si vous attendez une visite guidée, vous allez être déçu. Vous pouvez tous être informés des aspects techniques, au sens large, du Centre Pompidou-Metz, aussi cet exercice est davantage le fruit d’une observation-analyse personnelle et professionnelle de l’outil musée qu’une description informative de l’écrin et de ses joyaux…
Cette expérience soulève énormément de questions muséologiques et muséographiques. Si certains d’entre vous ont lu le compte-rendu récent de l’ouvrage « Les musées d’art moderne et contemporain, une exploration conceptuelle et historique » de J. Pedro Lorente paru sur le site de la Cliothèque , ils trouveront avec celui-ci une suite logique, sinon, il pourra également faire office d’introduction !
ARCHITECTURE / ARCHITECTURES
J’enfonce une porte ouverte (je ne pouvais pas la laisser passer…) en avançant que la structure imaginée par l’architecte japonais Shigeru Ban travaille l’espace dans une dialectique dedans/dehors. Le principe de l’auvent, les matériaux utilisés pour sa structure et sa couverture y contribuent. Pas seulement : la lumière œuvre aussi dans ce sens. Elle circule abondamment dans l’ensemble du bâtiment, directe, reflétée ou rasante
(photos 5-6-8-9)
Pourtant, j’ai eu le sentiment d’un manque d’unité dans l’échelle et une disparité des éléments architecturaux entre eux. Peut-être à cause de la double nature morphologique, organique et végétale, de l’édifice ?
Dans ma longue pérégrination (longue file très serpentine !), j’ai pu observer attentivement les piliers de bois qui soutiennent l’auvent. Une étrange impression de légèreté et de massivité se dégage de la combinaison des faisceaux de poutres en éventail et de leur fixation.
Un sentiment de mouvement est accentué par les fameux modules hexagonaux de la couverture déclinés à l’infini notamment dans la charte graphique de l’institution (photo 21).
Ils forment une sorte de claie extensible figurant et traduisant à la fois le changement, la simplicité et la sophistication, l’hexagone se transformant en étoile par jeu optique. C’est un motif qui nous est familier et qui a surtout l’intelligence d’appliquer un dessin à un volume.
L’architecture du bâtiment est très largement pensée par rapport à sa destination, évidemment. Mais curieusement, on a quelquefois le sentiment que le contraire est forcé. L’environnement paysager et architectural est tellement présent qu’il semble avoir induit jusqu’aux choix des œuvres et à leur présentation. Oui, la vue, l’ouverture sur la cathédrale est belle, fatalement. Une sentinelle ? Un faire-valoir ? Un dialogue ? Une vision platonicienne ? Et Dieu dans tout ça ?…
Quelques éléments de réponse (plutôt de réflexion bien sûr) tout au long de notre visite.
Le titre de ce paragraphe répond en partie à cette question. À plusieurs reprises, l’espace s’ouvre de manière fort éloquente sur le paysage urbain environnant et plus particulièrement sur la cathédrale.
PRÉSENTATION SOMMAIRE DES QUATRE EXPOSITIONS
On l’a vu donc, le titre générique de l’exposition est « Chefs d’œuvre ? ». Elle comprend quatre volets déployés sur quatre niveaux, que l’on nous conseille vivement ce jour-là de visiter du troisième étage au rez-de-chaussée, autrement dit du présent vers le passé. Certainement cette recommandation n’est-elle justifiée que par de simples mesures de sécurité en raison de l’affluence particulièrement importante.
Mon sens muséographique en éveil, je me demande pourquoi l’inverse ? Pourquoi remonter aux sources ? Veut-on nous faire entendre le sens historique de l’œuvre en général ? Estime-t-on nécessaire par ce biais de justifier ou a-t-on besoin de légitimer le présent par le passé ? Etc.
On = le/les commissaire/s bien sûr ! Mais je reste trop observatrice. Effectivement, je comprendrai plus tard que cette indication n’est due qu’à l’affluence des premiers jours. La plaquette distribuée présente l’exposition historique comme la première à visiter et la galerie 3, du troisième étage, comme la dernière…
L’ordre dans lequel j’ai effectué la visite :
Galerie 1 (Niveau 1) : « Histoires de chefs-d’œuvre »
Galerie 2 (Niveau 2) : « Rêves de chefs-d’œuvre »
Galerie 3 (Niveau 3) : « Chefs-d’œuvre à l’infini »
Grande Nef (Rez-de-chaussée) : « Chefs-d’œuvre dans l’histoire »
Mais je rétablis dans ce compte-rendu l’ordre préconisé par le livret (normalement) distribué.
« CHEFS-D’ŒUVRES DANS L’HISTOIRE » , Grande Nef, où l’on perçoit un hommage appuyé à la ville de Metz, la Lorraine, ses créateurs et quelques autres notions inspirées par le thème…
Comme dit supra, j’ai parcouru cette section au pas de course. Elle se clôt par les « Trois Bleu » de Miró (photo 42) et « La Tristesse du Roi », d’Henri Matisse, 1952.
On finit donc comblé !
C’est un parcours où l’on ne veut oublier personne. Cette section, outre le fait de rendre hommage aux artistes et artisans d’exception de Metz et sa région, traite ostensiblement de l’apparition de la notion de chef d’œuvre.
La Ville de Metz, sans laquelle rien n’aurait pu se faire, reçoit un vibrant hommage. Je ne pense pas que la culture soit par essence parisienne. Je pense nécessaire de le préciser pour d’éventuels esprits chagrins ! Malgré tout, cet hommage à la région Lorraine dans son ensemble ressemble à un collage, je le trouve un peu tiré par les cheveux. Ou alors, j’ai mauvais esprit, ce qui n’est pas exclu !
Certes, l’École de Nancy a eu son compte de célébrités, produit des chefs-d’œuvre, c’est le moins que l’on puisse dire. Le territoire lorrain a connu des artistes prestigieux à redécouvrir… « Redécouvertes de chefs-d’œuvre » : Ligier Richier, sculpteur du XVIe siècle, Jacques Callot, dessinateur et graveur du XVIIe siècle et Georges de La Tour, peintre du XVIIe siècle. C’est pourtant dommage que le La Tour exposé (photo 35)
vienne du Louvre mais on comprend qu’aucun musée de la région n’ait voulu se déposséder du chef-d’œuvre qui lui garantit un large public. Les œuvres choisies sont théâtralement présentées, théâtralité jouée par l’éclairage et la scénographie.
Je suis peut-être (sûrement) passée trop vite mais je n’ai pas vu de peinture de Claude Gellée dit Le Lorrain ?
Assez rapidement dans le parcours s’impose le sentiment d’une situation historique nécessaire, sortes de légitimation s réciproques.
Une salle entière est consacrée au « Chef d’œuvre inconnu » et à Balzac. On a même droit à sa canne (photo 36)
et à sa robe de chambre moulée par Rodin pour en faire sa sculpture.
Ce parcours labyrinthique ne recule devant aucun effet : d’un gigantesque lustre en cristal (photo 38) à quelques pans d’accrochage XIXème (photo 41),
de peintures monumentales de Delaunay, au « Picasso » de Clouzot (photo 37), 
en passant par la suspension spectaculaire au plafond d’un gigantesque miroir (photo 40),
rien n’est trop fort pour conquérir le spectateur, le happer, l’ensorceler. Il y en a beaucoup, il y en a trop.
Encore une fois, j’ai visité cette partie au pas de course mais il me semble que l’âme de l’exposition se perd dans le nombre des œuvres. Je n’approuve pas forcément un accrochage minimal mais encore moins une présentation bavarde.
« HISTOIRES DE CHEFS-D’ŒUVRE »
,
Galerie 1, où mon ironie renifle/respire dans l’œuvre de Giuseppe Penone une odeur d’autocélébration…
Dès l’entrée, le ton est donné : une œuvre de Penone, « Respirare l’ombra », 1999, espace clos, sorte de grotte aux murs de feuilles de laurier. Les feuilles sont amassées et retenues dans des cubes de grillage. Sur une paroi, des poumons formés de feuilles de laurier en bronze…
Doit-on penser à Apollon et Daphné ? Prendre les lauriers comme ceux d’une gloire ? Le fait est que cette entrée en matière est étouffante, je me sens contenue. C’est la première œuvre que je vois…
Est-ce un chef-d’œuvre ? Les poumons parlent-ils du souffle de la vie ?
Toutes les œuvres ont un cartel développé. Celui de l’œuvre de Penone invite à l’introspection. Oui, mais peut-on aller jusqu’à la contemplation, notion honnie en art contemporain ?
Les rapprochements des œuvres sont tour à tour chronologiques, formels, thématiques… L’œil rebondit souvent, il est surpris. Dans un premier temps, cela m’a plu, je découvrais des œuvres connues sous un jour nouveau.
Petit à petit, ce ricochet permanent place les œuvres dans la nécessité d’un regard nouveau sinon inutile, chaque œuvre n’existant que par rapport à celle qui la fait découvrir, qui la questionne.
Toroni/Newman, Mosset/Pevsner, Molnar/Tinguely… (photo 10)
Le pèlerinage continue… Une salle vouée à la musique : « L’orchestre », 1953, de Nicolas de Staël avec, au mur, un texte de Pierre Boulez, duquel on entend une composition. Dans une niche, une œuvre commandée à Patrick Neu par le Centre Pompidou-Metz « Ange musicien »… Tout le monde foule allègrement au pied et sans scrupule « 144 Tin Square », 1975, de Carl Andre, entre la salle de Nicolas de Staël et celle où est projeté « Un dimanche à la campagne »…
Une salle surréaliste, une salle Brancusi, le fameux « Sleep » d’Andy Wharol sans oublier une salle d’hommage à Marcel Duchamp, c’est tout au moins comme cela que son éclairage et sa scénographie me l’ont fait percevoir (photo 12), une très belle alcôve avec un dessin de Man Ray, un collage de Raoul Hausmann et des bois flottés de Hans Arp.
Un silence bienfaiteur avec un angle où sont accrochés Michaux, Brauner, Artaud, Brassaï, Fautrier et Giacometti, face au tonitruant Martial Raysse déployé sur plusieurs mètres.
Une salle conçue par Charles Dantzig interroge étonnamment la notion de chef d’œuvre : passe en boucle un extrait du film « Inglorious Basterds », 2009, de Quentin Tarrentino où un des protagonistes dit : « ça pourrait bien être mon chef-d’œuvre ». Un fauteuil ayant appartenu à Stéphane Mallarmé appuie le propos.
Face à cette salle, le magnifique « Atelier au mimosa » 1939-1946, de Pierre Bonnard. Pourquoi là ?
Le classique tandem sculpture début XXème/sculpture africaine ne manque pas à l’appel avec Lipchitz.
Ponctuant/articulant l’espace vital et problématique de l’exposition, trois œuvres monumentales : « Le Magasin », 1973, de Ben, « Precious Liquids », 1992, de Louise Bourgeois et « Dream Passage with Four Corridors », 1984, de Bruce Nauman. A l’instar de l’œuvre de Penone vue à l’entrée de la galerie, il semblerait que ces trois autres interrogent aussi, à des degrés, et surtout à des sens, différents la notion d’espace (réel, émotionnel, social, etc.).
« RÊVES DE CHEFS-D’ŒUVRE »,
Galerie 2, où l’œuvre laisse la place au concept pour le triomphe de l’Institution…
Un très long couloir, 3 travées. On entre dans la plus petite qui est aussi la plus sombre. Très peu d’éclairage, seulement celui d’une fente horizontale, scandée de meurtrières avec vue aménagée sur chefs-d’œuvre.
Ordre chronologique : de Lavier à Méliès et retour (photos 16-17).
Entre les deux : Dubuffet, Klein, Giacometti, Arp, Pollock, Ernst, Picasso, Kandinsky, Bellmer, Brancusi, Gonzalez, Man Ray, Léger, Picabia, Taeuber, Duchamp-Villon, Malevitch, Braque, Kupka, Chagall, Rodin, Ouf !
Et tout ce petit monde en ringuette, maté de derrière les meurtrières avec kit pédagogique. Je m’explique : dans le petit couloir par lequel je suis arrivée, sur le mur opposé au mur aménagé de fente et meurtrières, se trouvent des cartels développés face à chaque œuvre. Compréhension assurée, rien ne peut échapper au spectateur ! S’il ne fait pas l’œuvre, au moins on lui fait le cartel. Chacun est composé d’éléments variés : croquis préparatoires à l’œuvre, entretien filmé avec l’artiste, documents divers concernant l’œuvre de près ou de loin (en l’occurrence, c’est quand même toujours de loin puisque de l’autre côté du mur et à au moins 8m !). Chaque document est « mis en page » graphiquement au mur.
Noté pour vous sur un de ces fameux cartels : « En 1936, » Plans verticaux I » est la première œuvre de Kupka à être achetée par l’État. Cette acquisition entérine son statut de chef d’œuvre de l’abstraction géométrique, jalon majeur de la création picturale du premier XXème siècle jusque-là absent des collections nationales. […] »
Je vous épargne mon commentaire.
Dans la travée opposée, une exposition fort intéressante propose un historique des lieux d’exposition d’art moderne et contemporain de 1937 à nos jours par la présentation de maquettes, croquis et entretiens filmés.
À bien y réfléchir, cette Galerie 2 est construite comme une église : nef + bas-côtés ; un bas-côté réservé à la pédagogie, celui où sont les cartels, un autre réservé à l’historique des institutions vouées à l’art moderne et contemporain, et au centre, les chefs-d’œuvre. À croire que seules l’histoire et l’institution conjuguées peuvent couronner une œuvre, la coiffer !
Oui, ajoutée au document cité supra concernant l’œuvre de Kupka, cette constatation me semble s’imposer. Et la question se pose de l’œuvre dans tout ça ? Quelle vie peut-elle mener en dehors de l’institution, de sa reconnaissance, et l’artiste avec elle ?
Ne jamais oublier l’œuvre, sa conception, sa fabrication.
C’est le premier acteur du monde artistique.
On peut bien sûr s’interroger sur la notion d’œuvre avant même celle de chef d’œuvre.
« CHEFS-D’ŒUVRES À L’INFINI »,
Galerie 3, où la cathédrale se livre tout entière comme le chef d’œuvre (la réponse ?) de l’exposition…
Encore un couloir. À gauche, Jazz de Matisse, la série complète. Toujours de l’émotion à les voir. Faits hier, bien plus frais que beaucoup d’œuvres plus récentes.
Lui faisant face, Aurélie Nemours et Ellworth Kelly (photo 22),
héritiers de la couleur découpée.
Le couloir se ferme et on pénètre dans un autre, beaucoup plus sombre. L’ensemble des visiteurs reste pantois. Sur la droite, une vitrine traitant de la transhumance, remplie de sonnailles suspendues, hommage à Georges-Henri Rivière, pape de la muséographie, est flanquée d’un extrait de texte de ce concepteur génial du Musée des Arts et Traditions populaires. Plus loin, une phrase de Malraux… Perpendiculairement, une autre vitrine rassemble des chefs divers, diverses époques, matières, provenances, auteurs connus ou anonymes, la tête sous toutes ses formes : masque, crâne, tête, etc. (photo 23).
À proximité, une citation de Malraux : « Nous ne pouvons sentir que par comparaison ».
Face à cette longue vitrine, un mur barre l’espace, quasiment aveugle, sauf une meurtrière où apparaît… la cathédrale. Sur le mur, à sa droite, une citation d’Asger Jorn : « Il ne nous reste, en Europe, que deux possibilités : être sacrifiés ou sacrifier. À vous de choisir entre le moment historique et l’acte qui le mérite. »
Au-delà de la question du chef-d’œuvre, se pose ici celle du musée et de ses hommes. Après Georges-Henri Rivière, André Malraux, c’est Harald Szeeman. Veut-on leur rendre hommage ? Les convoquer, les invoquer ?
Je trouve décidément l’institution très présente.
Suite à ces évocations, derrière le mur à meurtrière, la salle s’ouvre, la lumière entre à flots dans une perspective accentuée par les murs bâtis selon une trajectoire oblique (photo 27).
Sur la droite, les salles deviennent alcôves puis niches. Elles rapetissent au fur et à mesure abritant des œuvres qui se rapprochent par un comportement manifestement compulsif des artistes. Taxinomie, répétition, dédoublement semblent animer une partie des œuvres choisies. Cette sensation est poussée jusqu’au malaise par la projection en boucle d’extraits de trois films d’Alfred Hitchcock où l’on voit sur chacun une femme dans un musée (« Vertigo », « Body Double » et « Dressed to kill »).
La lumière est largement diffusée dans ce vaste espace, tellement que des œuvres de Man Ray , « L’œil » et « Les Larmes », 1932, sont présentées sous des tissus que l’on doit soulever pour voir (photo 25).
Au fur et à mesure de l’avancée vers la large baie, où l’on peut voir la cathédrale que l’on n’atteindra jamais, semble se préciser une thématique de la nature, d’abord littérale puis se rapprochant d’une idée de nature se fondant avec le paysage « contenant » la cathédrale et se rapprochant finalement d’une nature diluée, aspirée par/dans l’atmosphère (photo 26).
Cette double mise en perspective de l’espace et des œuvres se termine par une petite statue équestre dans une petite niche en plexi : c’est la copie de la statue équestre de Charlemagne qui fait partie du Trésor de la cathédrale de Metz, celle qu’on a précisément sous les yeux. Le cheval nous y amènerait-il ?… (photos 29-30)
Dans le couloir en sortant, un texte de Guy Debord « De chef d’œuvre à ordinaire et vice-versa ».
Et c’est la fin, avec le mur des prêteurs que l’on remercie… Je lis, entre autres, « Le Louvre Abou Dhabi »…
Le mot de la fin revient à Marcel Duchamp : « Le mot exposer ressemble à épouser ».
C’est une exposition que l’on nous a montré et non des œuvres. Certes, des œuvres ensemble font sens, peuvent faire sens, mais Yves Michaud a posé depuis longtemps la question de la place du commissaire et de l’artiste.
La descente est vertigineuse (photos 31-32-33-34).
APPELLATION CONTRÔLÉE
Il faut maintenant se poser la question du terme « musée ». Le Centre Pompidou-Paris (on doit dire comme ça aujourd’hui, mais demain ?) fait partie du Centre National d’art et de culture mais c’est un musée, le Musée National d’Art Moderne (MNAM). Ses usagers, les gens qui y travaillent au quotidien disent « Le Centre ». Le terme « Beaubourg » date de ses débuts pour le signifier plutôt par un lieu que par un président.
Mais le Centre Pompidou-Paris, j’ai vu sur Internet l’appellation « Centre Pompidou-Beaubourg », n’est pas qu’un musée, c’est précisément ce qui a porté le projet initial. C’est aussi la BPI, Bibliothèque Publique d’Information et l’IRCAM, Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique. Il a aussi des espaces dévolus au cinéma et aux conférences. On y trouve une librairie, un bar-restaurant (devenu fort onéreux) et une boutique. Son architecture a été conçue pour moduler les espaces, les ouvrir ou les fermer selon les envies et les besoins.
En tant que musée, il a des collections, pléthoriques, dont il renouvelle régulièrement l’accrochage suivant des processus différents (chronologiques, thématiques, etc.) et monte des expositions avec des œuvres issues de ses propres collections et de collections extérieures (françaises et/ou étrangères, publiques et/ou privées). Il doit entretenir physiquement ses collections, effectuer un travail scientifique sur ses objets qui se traduit par la production d’expositions, de documents (catalogues, notices), et les montrer au public.
Un centre d’art n’a pas de collection. Son travail d’exposition est plutôt tourné vers des œuvres plus jeunes, plus expérimentales (plus novatrices ???) que celles montrées dans les musées d’art contemporain. Mais vous devez savoir que les avis des conservateurs de musées d’art contemporain divergent sur cette question.
Le Centre Pompidou-Metz semble se positionner à mi-chemin, une institution hybride.
Par ailleurs, on est tenté de dire « Centre Pompidou-Paris » alors que le c’est le Centre de Metz qui se définit pas rapport à celui de Paris et non le contraire. Il ne s’agit pas non plus d’un rapport d’équivalence.
Metz dépend de Paris en ce sens qu’il n’a pas de collection propre. Mais il est amené à monter des expositions en totale indépendance des collections parisiennes. Il a une existence autonome.
La majorité des œuvres de l’exposition inaugurale (80 %) appartient au MNAM, le reste a été emprunté à des musées français ou étrangers, des collections publiques ou privées. Quelques œuvres ont fait l’objet d’une commande de la part du Centre Pompidou-Metz. Dans quelle collection atterriront-elles à la fin de l’exposition ? Le CPM a-t-il prévu des locaux pour des réserves ?
DOCUMENTATION
La liste pourrait être très longue. Je vous incite vivement à passer du temps sur les sites respectifs des deux institutions « pompidoliennes » ! L’article de Wikipédia est bien pour l’architecture.
Deux catalogues et une revue édités par le Centre traitent des expositions.
N’hésitez pas à me contacter si vous avez besoin d’éléments bibliographiques sur les thèmes abordés dans le compte-rendu.
http://www.centrepompidou-metz.fr/
http://fr.wikipedia.org/wiki/Centre_Pompidou-Metz
« Chefs-d’œuvre ? Architectures de musées 1937-2014 », sous la direction de Philip Jodidio, Laurent Le Bon et Aurélien Lemonier, éditions du Centre Pompidou-Metz, 240 pages, relié, 39€.
« Chefs-d’œuvre ? L’album », éditions du Centre Pompidou-Metz, 64 pages, broché, 9€.
À paraître :
« Chefs-d’œuvre ? », catalogue de l’exposition, sous la direction de Laurent Le Bon, éditions du Centre Pompidou-Metz, 568 pages, relié, 49€.
ATTENTION !
Si vous désirez vous rendre au CPM, j’espère avoir aiguisé votre appétit culturel et votre curiosité malgré mon regard souvent trop critique, je sais, notez que les 4 expositions ne terminent pas à la même date. La première à fermer est celle de la Grande Nef (Rez-de-chaussée) : « Chefs-d’œuvre dans l’histoire », le 25/10/2010. Consultez le site du Centre !
